Máster en Diseño Gráfico

Módulo 1. Historia del diseño

1.1. ¿Para qué sirve saber de historia?

1.1.1. Valorando la historia
1.1.2. Anticiparse al futuro
1.1.3. El pasado nos hace libres
1.1.4. Conclusiones

1.2. Considerando la “Historia del Diseño” como disciplina

1.2.1. ¿Cómo hacemos historia de la historia?
1.2.2. Antecedentes considerados
1.2.3. El desarrollo de la disciplina: 70’s, 80’s y 90’s
1.2.4. El objeto de estudio de la historia del diseño
1.2.5. Tendencias y líneas de investigación

1.3. Revolución Industrial y otras corrientes

1.3.1. Consecuencias de la Revolución Industrial en el diseño
1.3.2. La influencia oriental
1.3.3. Arts and Crafts. William Morris
1.3.4. Esteticismo
1.3.5. Art Nouveau

1.4. Recorrido histórico I

1.4.1. Secesión Vienesa
1.4.2. Deutscher Werkbund
1.4.3. El Constructivismo ruso
1.4.4. El movimiento De Stijl y el Neoplasticismo

1.5. La Bauhaus

1.5.1. ¿Qué es La Bauhaus?
1.5.2. Primera etapa
1.5.3. Segunda etapa
1.5.4. Tercera etapa
1.5.5. Principios básicos
1.5.6. Influencias

1.6. Recorrido histórico II

1.6.1. Art Déco
1.6.2. Estilo Internacional
1.6.3. Diseño de posguerra
1.6.4. La Escuela de Ulm
1.6.5. La Escuela Suiza

1.7. Lo funcional y lo funcionalista

1.7.1. La mirada funcionalista
1.7.2. Lo bello y lo práctico
1.7.3. Las analogías del funcionalismo
1.7.4. El funcionalismo como estilo

1.8. Recorrido histórico III

1.8.1. La Escuela de Nueva York
1.8.2. Aerodinamismo americano
1.8.3. Diseño escandinavo
1.8.4. Diseño democrático

1.9. Otras tendencias

1.9.1. El Pop
1.9.2. High-Tech
1.9.3. Minimal
1.9.4. Kitsch

1.10. La era digital

1.10.1. La revolución de la información
1.10.2. El diseño asistido por ordenador
1.10.3. Biodesign, neobiomorfismo, diseño eco-friendly
1.10.4. La imagen digital y las nuevas tipografías

Módulo 2. Introducción al color

2.1. El color, principios y propiedades

2.1.1. Introducción al color
2.1.2. Luz y color: la sinestesia cromática
2.1.3. Atributos del color
2.1.4. Pigmentos y colorantes

2.2. Los colores en el círculo cromático

2.2.1. El círculo cromático
2.2.2. Colores fríos y cálidos
2.2.3. Colores primarios y derivados
2.2.4. Las relaciones cromáticas: armonía y contraste

2.3. Psicología del color

2.3.1. Construcción del significado de un color
2.3.2. La carga emocional
2.3.3. El valor denotativo y connotativo
2.3.4. Marketing emocional. La carga del color

2.4. Teoría del color

2.4.1. Una teoría científica. Isaac Newton
2.4.2. La teoría de los colores de Goethe
2.4.3. Aunando en la teoría de los colores de Goethe
2.4.4. Psicología del color según Eva Heller

2.5. Insistiendo en la clasificación del color

2.5.1. El doble cono de Guillermo Ostwald
2.5.2. El sólido de Albert Munsell
2.5.3. El cubo de Alfred Hickethier
2.5.4. El triángulo CIE (Comisión Internacional de l’Éclairage)

2.6. El estudio individual de los colores

2.6.1. Blanco y Negro
2.6.2. Colores neutros. La escala de grises
2.6.3. Monocromo, bicromo, policromo
2.6.4. Aspectos simbólicos y psicológicos de los colores

2.7. Modelos de color

2.7.1. Modelo sustractivo. Modo CMYK
2.7.2. Modelo aditivo. Modo RGB
2.7.3. Modelo HSB
2.7.4. Sistema Pantone. La Pantonera

2.8. De la Bauhaus a Murakami

2.8.1. La Bauhaus y sus artistas
2.8.2. Teoría de la Gestalt al servicio del color
2.8.3. Josef Albers. La interacción del color
2.8.4. Murakami, las connotaciones de la ausencia de color

2.9. El color en el proyecto de diseño

2.9.1. El Pop Art. El color de las culturas
2.9.2. Creatividad y color
2.9.3. Artistas contemporáneos
2.9.4. Análisis de diversas ópticas y perspectivas

2.10. La gestión del color en el entorno digital

2.10.1. Espacios de color
2.10.2. Perfiles del color
2.10.3. Calibración de monitores
2.10.4. Lo que debemos tener en cuenta

Módulo 3. Introducción a la forma

3.1. La forma

3.1.1. Definición, ¿qué es?
3.1.2. Cualidades y características
3.1.3. Contorno, silueta, figura y perfil, aspectos de una misma realidad
3.1.4. Representación esencial

3.2. Tipología de la forma. Estética de la forma funcional

3.2.1. Tipos de forma según su origen
3.2.2. Tipos de forma según su configuración
3.2.3. Tipos de forma según su significado
3.2.4. Tipos de forma según su relación con el espacio
3.2.5. Tipos de formas según su relación fondo-forma

3.3. Las primeras formas gráficas

3.3.1. El garabato
3.3.2. La forma de la mancha
3.3.3. El punto y la línea
3.3.4. Despertar la creatividad a través del Hirameki
3.3.5. La forma del Haiku

3.4. Composición de la forma

3.4.1. Forma abierta y forma cerrada
3.4.2. Composición forma, semiformal e informal
3.4.3. La simetría
3.4.4. Los ejes. Simetría axial y radial

3.5. La importancia de la proporción en la forma

3.5.1. La proporción
3.5.2. Rectángulo áureo
3.5.3. La escala
3.5.4. Tipos de escala

3.6. Ismos: una aplicación práctica

3.6.1. Cubismo
3.6.2. Suprematismo
3.6.3. Constructivismo
3.6.4. Dadaísmo

3.7. El ser humano como medida

3.7.1. El canon
3.7.2. Diferentes cánones en la figura humana
3.7.3. La representación de la figura humana en el arte
3.7.4. La ergonomía

3.8. Percepción visual y forma

3.8.1. Percepción visual
3.8.2. Gestalt
3.8.3. El pensamiento visual
3.8.4. Interrelación de las formas

3.9. Psicología de las formas

3.9.1. El círculo
3.9.2. El cuadrado
3.9.3. El triángulo
3.9.4. Otras formas

3.10. Introducción a la forma digital

3.10.1. De lo analógico al mundo digital
3.10.2. La forma positiva y negativa
3.10.3. Repetición y reflexión
3.10.4. Combinando técnicas

Módulo 4. Diseño editorial

4.1. Introducción al diseño editorial

4.1.1. ¿Qué es el diseño editorial?
4.1.2. Tipos de publicaciones en el diseño editorial
4.1.3. El diseñador editorial y sus competencias
4.1.4. Factores del diseño editorial

4.2. Historia del diseño editorial

4.2.1. La investigación de la escritura. El libro en la antigüedad
4.2.2. La revolución de Gutenberg
4.2.3. La librería del Antiguo Régimen (1520-1760)
4.2.4. La segunda revolución del libro (1760 –1914)
4.2.5. Del siglo XIX hasta nuestros días

4.3. Fundamentos del diseño editorial impreso y digital

4.3.1. El formato
4.3.2. La retícula
4.3.3. La tipografía
4.3.4. El color
4.3.5. Los elementos gráficos

4.4. Medios editoriales impresos

4.4.1. Campos de trabajo y formatos
4.4.2. El libro y sus elementos: titulares, encabezados, entradillas, cuerpo del texto
4.4.3. Manipulados: plegado y encuadernación
4.4.4. La impresión

4.5. Medios editoriales digitales

4.5.1. Publicaciones digitales
4.5.2. Aspectos de forma en las publicaciones digitales
4.5.3. Publicaciones digitales más usadas
4.5.4. Plataformas para publicar digitalmente

4.6. Iniciación a InDesign I: primeros pasos

4.6.1. La interfaz y la personalización del espacio de trabajo
4.6.2. Paneles, preferencias y menús
4.6.3. El Fat-Plan
4.6.4. Opciones de creación de nuevos documentos y guardar

4.7. Iniciación a InDesign II: profundización en la herramienta

4.7.1. El formato de la publicación
4.7.2. La retícula en el espacio de trabajo
4.7.3. La cuadrícula base y su importancia
4.7.4. Uso de reglas y creación de guías. Modo de visualización
4.7.5. El panel y la herramienta de páginas. Las páginas maestras
4.7.6. Trabajar con capas